《☆艺术史摘抄》treen

3、《哈佛艺术公开课》

　　《哈佛艺术公开课》

　　潘美晨
　　146个笔记

　　第三章艺术从未远离

　　◆艺术对于人类的意义——激发我们的思考，让我们追问自己的内心，拓展我们的精神体验。《哈佛艺术公开课》
　　潘美晨
　　318个笔记

　　◆ 艺术从未远离

　　>> 艺术对于人类的意义——激发我们的思考，让我们追问自己的内心，拓展我们的精神体验。

　　◆ 第一课拥有发现美的眼睛

　　>> 版画大体有三种：木刻或麻胶版画的“凸版”类，铜版画等“凹版”类，以及石版画等“平版”类。

　　>> 我们很难描述一座建筑艺术的意境内容，它不像绘画与雕塑再现现实，细腻刻画，而通常借助象征、隐喻、模拟等手法塑造形象。

　　>> 米开朗琪罗认为，一件雕像从山上滚下去，如果只碎掉鼻子才算得上是成功的雕像。

　　>> 达·芬奇在谈到绘画的起源时曾说：“当太阳照在墙上，映出一个人影，环绕这个影子的那条线，就是世间的第一幅画。”

　　>> 假若没有形体，色彩便无所依附；假若没有色彩，形体便无法显现。

　　>> 明媚的暖色使事物看上去更大，收敛的冷色则让事物看起来更小。暗色会诱发忧郁的情绪，鲜丽的粉红则适合渲染喜悦，柔和的色调暗示着宁静和谐，色彩的不协调则会让人倍感烦乱。

　　>> 凡·高在完成那幅著名的《夜间咖啡馆》后，写道：“我试着以红色和绿色来表现人类可怕的激情。”

　　◆ 第二课石上的幽光

　　>> 有些学者认为，原始人的生存技能不高，因而非常崇拜具有惊人生命力的野兽，甚至认为它们身上存在着某种超自然的力量。也有学者认为，这些动物是作为原始人的狩猎对象画上去的，就像古老的巫术一样，猎人们觉得对壁画中的动物扔石块或用石斧捶打就能真的在现实中擒住它们。

　　>> 颜料主要是矿物质

　　>> 壁画上的红色其实是铁的氧化物；蓝色是锰的氧化物；黄色和橙色是铁的碳酸化合物；黑色是由烧焦的兽骨研磨而成的。作画前，还要在这些颜料中调入动物的油脂和血液，然后用草、苔藓、手指或动物毛皮做的刷子蘸着颜料涂色。他们还懂得喷绘技法，使图像笼罩上一层晕染效果，更加富有体积感，厚重而热烈。

　　>> 拥有生育和哺育能力的母亲便成为部落延续的希望。母系社会正是由此而来

　　>> 牛角也是生殖力的体现，被认为是大自然赐予人类孕育、再生力量的象征

　　>> 先从另一个山洞中取来足够的黏土，在一块石头上塑造成野牛的侧身像；然后用铲子之类的工具把雕塑表面抹平；再做出野牛的眼睛、鼻子、嘴和鬃毛，最后让它慢慢晾干。几天后，这个作品就彻底完成了，风干时留下的裂纹代表着牛毛

　　>> 他们会将两块石头直立在地面上，再在上面横置一块顶石，这大概是柱梁结构的开端。这样简单笨重的石头阵不是用来居住的，而是安置死者的墓室，叫作石台墓。

　　>> 三石塔并非随意搭建，每一块顶石上都凿有石洞，能将直立的两块岩石严丝合缝地套住，恰如木工结构中的榫卯，坚实稳固。直立的石块中间鼓起，向上则变细，给人一种视觉上的负重感，而且这让厚重的岩石多了一份生动和活力。

　　◆ 第三课人类的童年梦想

　　>> 对于素来信奉图像威力的古人来说，只要把国王辉煌的战绩刻在不朽的石碑上，就能让他们的城邦永远立于不败之地。

　　>> 亚述人比其他民族更喜欢穷兵黩武，浮雕作品上也体现着浓厚的军事色彩。

　　>> 乌尔王陵出土的一架竖琴被修复后重现了它当年的精美，这件乐器的音箱上装饰着一只华丽的牛头，木料上贴有金箔、牛毛、胡须等，其他部位镶嵌着青金石。音箱侧面有四幅装饰画，画着拟人化的怪物和野兽：佩带匕首的狗，拿餐具的狮子，弹琴的驴，跳舞的熊……这些动物好像在模拟一场盛大的宴会，也许含有葬礼的意味。音箱上的图画是人类艺术中最早的动物拟人化，比古希腊的伊索寓言早了2000多年。

　　>> 。《圣经》中记载，人类傲慢无礼，妄图建造一座通天之塔，上帝听闻后便让工匠们说不同的语言，他们相互间无法交流，不能分工合作，建塔之事也就不了了之。古希腊历史学家希罗多德曾描述过马杜克塔庙：“人们建造了一座坚固的塔……塔上有一塔，塔上又有一塔。如此往复，共有八座塔矗立在此。一道阶梯沿塔的外部盘旋而上，中间有个棚子，设有长凳以便让登塔的人稍事休息。在最高的那座塔上矗立着巨大的神庙，里面放有一张巨大的长椅，有精美的椅罩、金色的桌子，但没有神像……他们认为神会亲自降临。”

　　>> 强大的王权可以要求成千上万的劳工奴隶年复一年地开采石头，用最原始的方法运到建筑工地，再构建起一个坚不可摧、万代不朽的坟墓。

　　>> 雕刻家用坚硬无比的花岗岩来雕刻头像，他们在埃及被视为“使人生存的人”。

　　>> 虽然有几分刻板，但时至今日，那些规整的头像还保持着庄严的真实。

　　>> 画家擅用全知视角，更在意图画内容的完整性，而不在乎是否美观，一切事物都在他们笔下呈现出清晰全面的样子。

　　>> “正面侧身律”：头部为正侧面，眼睛为正面，肩为正面，腰部以下为正侧面。

　　>> 艺术家在画中表现的不是客观形体，而是事物的意义。

　　>> 稳定、质朴、和谐可以说是古埃及千百年来的艺术传统了。没有人需要创新，也没有人想过要挑战常规。

　　>> 所有的艺术家都要谙熟这个国度一贯的绘画风格：男人的皮肤涂成褐色，女人的皮肤涂成浅褐色或淡黄色，头发涂成墨蓝色，眼圈是黑色；太阳神必须表现为一只鹰，至少要有一个鹰头，死神则是一头豺狼，或者要有一个豺狼头……

　　>> 阿米诺菲斯四世改变了信奉多神的传统，独尊太阳神阿顿。

　　>> 在图坦卡门的时代就开始恢复过去的信条

　　>> 艺术家再次拾起陵墓中那些刻板、淡漠、肃穆、毫无个性的形象创作。

　　>> 古埃及绘画注重严谨，每一个细节都体现着强烈的秩序感

　　>> 艺术家首先在墙上画好直线网格，然后小心翼翼地在网格里分布图像细节。

　　>> 克里特岛缺少金属和大理石，王宫主要由石灰石和石膏建成，辅以木材做窗户、屋顶和圆柱。整座王宫占地两万多平方米，围绕一个矩形中心院落向四周伸展，上下5层楼，共1500多个房间。

　　>> 古人认为，这座宫殿的设计师是当时的名匠代达罗斯，后来他的名字就用来指代迷宫或字谜。

　　>> 在克里特艺术中，国王并不是不可一世、威严凛然的枭雄形象，而是清丽优雅中透着高贵气质。

　　>> 克里特人崇尚自然，在国王画像中并不展示权力，国王身边没有狮子、老鹰，只有一丛丛清新可爱的花草，艳红为底色，给阴暗的厅室带来明亮疏朗的景致。

　　>> 克诺索斯宫殿处处都充满着现实生活的乐趣，全无埃及艺术的严肃与神圣。克里特人尤其喜欢流动的曲线美，喜欢把生活涂上清新愉悦的色彩，追求灵动优雅，陶醉在自然与生命的魅力之中。

　　>> 警惕的迈锡尼人把城堡建在距大海10英里以外

　　>> 还为城堡修筑了高大宽厚的城墙

　　>> 称作独眼巨人墙

　　>> 城堡的入口处屹立着著名的狮子门

　　◆ 第四课古希腊艺术：美学之源

　　>> 不论人们在做什么想什么、希腊是一片圣地。

　　>> 术的世界一片晦暗，粗糙、生硬、原始，与埃及风格相差无几

　　>> 古希腊没有像埃及法老一样高高在上的统治者，不会号召全民族为他的私欲服务。

　　>> 那个时代，希腊人开始大胆探索万物的本性，科学、哲学、戏剧同时觉醒，人们追求生命的真实。

　　>> 神像的原始信仰象征已经退居其次，与人一样，它具有一种与尊严有关的魅力。

　　>> 菲狄亚斯最伟大的作品之一——雅典娜女神像，她不再仅仅是雅典城的守护神，她的美比她的神力更震撼人心。

　　>> 米龙把掷铁饼的运动员表现为处于蓄势待发的瞬间状态

　　>> 古典时代后期，雕塑开始侧重人物的个性表现与内心世界。

　　>> 胜利女神展开的双翼与向后飘飞的衣裙构成她刚刚降临船首的动态，而腿和双翼的波浪线组成三角形，突出了一往无前的气势。

　　>> 人们举办赛事正是为了比比谁能真正赢得神灵的赐福。

　　>> 能反映一个古老民族建筑艺术的，莫过于他们的神庙和王陵。

　　>> 古希腊三种柱式

　　>> 多利安式、爱奥尼亚式、科林斯式

　　>> 朴素粗壮的多利安式尚未摆脱古风时期简单清晰的特点，颇有斯巴达人的行事风格——直爽、干练。

　　>> 爱奥尼亚

　　>> 柱式纤巧精致，有柱基，且柱身修长匀称，柱头呈旋涡状，屋檐上有浮雕装饰。

　　>> 在爱奥尼亚风格的基础上，科林斯式增加了浓密的叶饰来美化柱头，它的形状仿若一口倒悬的大钟，覆盖着卷曲的嫩叶，好像这些叶子就是从石柱上萌发出来的，更加生动精致。

　　>> 那些彩绘的陶器

　　>> 希腊人并不用它们插花，而是盛装葡萄酒或橄榄油

　　>> 希腊瓶画主要分为黑绘风格和红绘风格两种

　　>> 红绘因笔触细腻而更加生动活泼。

　　>> 透视短缩法

　　>> 5个脚趾画成一排小圆圈

　　>> 白底瓶画更接近壁画，几乎仅用于丧葬祭祀。

　　◆ 第五课古罗马艺术：帝国气度

　　>> 由希腊神庙得到启发，伊特鲁里亚的神庙相对低矮却更加粗壮，墙壁有厚实的壁礅，内部通常有三个连贯的厅堂和一个带柱廊的门厅。

　　>> 慈爱而强壮的母狼，它形体坚实，颈部的毛发呈卷曲图案，仿佛被瞬间惊动而蓦然转头，竖起耳朵，十分警觉，令人不敢冒进。

　　>> 西尔维娅在梦中与战神马尔斯相爱，生下一对孪生兄弟罗慕洛和雷莫。

　　>> 母狼慈爱地衔起婴儿，并给他们哺乳。

　　>> 但后来，罗慕洛私定城界，杀死了兄弟雷莫，并以自己的名字命名新城为罗马。

　　>> 罗马人固然在武力上锐不可当，却也难得有着谦虚好学、崇尚文明的品质。

　　>> 土石结构可谓是罗马人最突出的成就

　　>> 在灰浆内混杂石块，这便是最早的混凝土。

　　>> 拱是罗马建筑中最具特色的元素。

　　>> 万神庙就是罗马拱形建筑的代表。

　　>> 拱顶直径有44米，几乎相当于整个建筑的高度。走入大厅，会发现四面无窗，仰头却见顶部有一处圆形开口，直径约有9米，湛蓝的天空高高在上。随后发现，阳光从圆口倾泻而下，在大厅的地面与墙壁上流动闪烁，大理石柱泛着蓝色、紫色、橘色的纹理，在光线中静默而优雅，没有丝毫沉闷之感，宏伟中饱含和谐。

　　>> 多利安式强壮而沉重，爱奥尼亚式优雅柔和，而科林斯式最为轻盈灵动

　　>> 凯旋门则是纯粹用来宣传帝王权威的最佳典范。

　　>> 古罗马哲学家西塞罗说：“一位建筑师‘应该是一位文人、一位技术熟练的制图者、一位数学家，熟悉科学思想，勤奋学习哲学，通晓音乐，了解医学，对于法律学者的意见有所见识，且熟悉天文学与天体理论。’”我们不知道这些条件是否合乎每一位建筑师，但毫无疑问，建筑设计不仅是艺术敏感性与工程能力的结合，还体现着精神的自由和敢于突破传统的创造力。

　　>> “奥古斯都”的称号，意为“至圣至尊”

　　>> 英雄形象告别裸体，意识到作为帝王的尊严

　　>> 200年后，马可·奥勒留的骑马像诞生了，后来与奥古斯都雕像一起被视为罗马帝王像的双壁。

　　>> “人生如此短促，就像流水一般，它的感觉朦胧、它的躯体弱不禁风、它的心灵不能安宁、它的前程难以捉摸、它的荣誉毫无保障。”这是奥勒留写在《沉思录》中的一段话

　　>> 追求理想、优美和谐的希腊艺术已经让位于讲求实际、崇尚权威的罗马特色。

　　>> 仿大理石的墙壁一直在罗马民居中延续着，但到了公元前80年左右，一种新的壁画风格风行起来。它不像第一风格那样追求高贵优雅，而是创造性地打破了房间四壁的界限，用视觉幻想在墙上制造出三维空间的效果。

　　>> 罗马画家已经掌握了线性透视技巧

　　>> 罗马人的审美品位变化很快

　　>> 艺术家开始回归于平坦的墙面，着重描绘精致的线条与图案。

　　>> 将整个墙壁涂成黑色，不能再细的圆柱，缀满珠宝的山墙构成整个壁画的精致框架，在黑色墙壁的正中，缩着一块小小的风景画，在深厚背景的映衬下，仿佛在半空飘浮，模糊而不真实，与第二种风格的明丽形成强烈的反差。

　　>> 在《采花的少女》中，少女背向观者，脸微微侧向一边，素手拈花。从背景到人物衣饰，到鲜花的色彩都趋向淡泊素净，看不出喜悦，倒有几分肃穆和迷茫。

　　◆ 第六课东方的传统

　　>> 佛，即佛陀，意为“大彻大悟的人”。

　　>> 婆罗门教没有修建寺庙的传统，也不需要塑造偶像。孔雀王朝时期的阿育王，是第一位致力于推广佛教的君王。

　　>> 桑奇大舍利塔是佛祖的体现，极具宗教象征意味，同时又涵盖了复杂玄妙的奥义。半球形的坟冢象征着圆顶苍穹；顶部平台上立着一根长杆，象征世界之轴；长杆上有三层伞顶，代表“佛门三宝”——佛、法、僧。

　　>> 佛陀主张过沉思默想的禅修生活

　　>> 在早期佛教艺术中，佛陀本身只有象征性的表示——饰有花瓣的宝座上的□□。□□含义丰富，与太阳有关，象征着诞生、成熟、死亡与轮回，如阳光普照万物，泽被生灵。在佛教分化出小乘与大乘两派之后，人格化的佛陀形象才第一次出现。在贵霜王朝发行的金币上，佛陀头顶肉髻，长而垂肩，右手上举做安慰或赐福状，身着僧袍，头后有神圣的光晕环绕。

　　>> 北方安详静穆的犍陀罗风格和南方阳刚写实的马图拉风格。

　　>> 笈多王朝的阿旃陀石窟的壁画

　　>> 画中的菩萨手持蓝莲花，头戴璎珞，双眉如弓，凝神注视，面容柔和，若有沉思。在他周围，有恩爱的贵族夫妻、有树林中的各种动物，内容充实，但没有拥挤杂乱之感，整幅画仿佛笼罩在圆满祥和的氛围之中。

　　>> 搏斗、祈祷、欢庆、亲昵，画面时而残酷、时而温柔，一切形象呼之欲出，似乎整块岩石是为这幅画量身定制而来，堪称天作。

　　>> 温良恭俭让的处世原则在中国代代传承，自上而下讲求行为中正，合乎礼仪，由此带动了中国古代艺术走向一种端正优雅的和谐。

　　>> 儒家思想关注社会人伦的外向功用，道家则注重个人精神的内在修养，两者不但没有对立排斥，反而能够兼收并蓄，共同构成中国文化的一种平衡体系。

　　>> 那些轻巧的木梁在古代建筑师手下精妙得有如造化之物：屋顶倾斜，房檐翘出，木材横平竖直，相互嵌合。屋檐极宽，足以为墙面遮阳挡雨。梁柱结合处有精心雕饰的斗拱，既作为强化，也提升视觉美观效果。

　　>> 禅宗主张修习禅定，简化繁琐仪式，以求灵光乍现的顿悟，与道家的思想观念非常接近。

　　>> 与色彩艳丽、只擅长装饰的画工相比，文人偏爱墨色，规避浓墨重彩，将作画技巧与人文传统融合一处。他们擅长书法，掌握了生动有力的线条，字与字的结构力量，以及对整页的布局考量，作画技巧便从中而来。在纸墨之间，画家自如挥洒，没有硬性约束，也没有边框界限。山水画不连篇累牍地描绘风景实况，也不青睐因袭不变的景观模式，时而淡墨渲染、时而笔触凝重、时而模糊隐晦、时而微妙细腻。在画家笔下，山水自然呈现，传递着宇宙的真谛，达到天人合一的和谐境界。

　　>> 儒者文雅、道家平和、僧人圆融，中国传统文化就在三者的融汇中趋向和谐，形成了与西方文明截然不同的东方精神。

　　>> 在狭长伸展的岛国版图上，不同气候连续变幻，日本人对自然敏锐而丰富的感知似乎与生俱来，一旦得到启发和挖掘，他们浓厚的艺术气质便一发不可收了。

　　>> 伴着无声的禅意，他们把佛像精心描绘于瓷器或宫墙上。青灯黄卷把世俗的幸福与痛苦一并隔离开来。在寺院绘画中，画面背景常为黑红两色，佛陀面容庄重，在孤寂与静默中散射出精神的光环。

　　>> 沉睡心底的民族力量听到召唤，日本雕塑忽而展现出本土的武士道精神，粗暴而简练、单纯而紧张。

　　>> 到17世纪，

　　>> 寺院开始出现彩绘的高僧木像，庄严而不失协调，稳定中蕴含着深厚的力度。

　　>> 《鸟兽人物戏画》以灵活的线条和单纯的素描手法将动物拟人化，传达出幽默讽刺的意味，被认为是日本漫画的起源。

　　>> 鸟羽绘成为江户时代初期的典型画风，并成功开启了后来的浮世绘。

　　>> “浮世”意指繁华靡丽而又虚无缥缈的尘世。

　　>> 德川幕府时期，江户建立了游乐中心。

　　>> 喜多川歌麻吕也以美人画闻名，他开创了“大首绘”，以半身胸像特写女性脸部，善于表现女性心理活动

　　>> 柔畅的线条勾勒出女性文雅的体态，颇具古典气质，富有宁静而微妙的美感。

　　>> 以葛饰北斋和安藤广重为代表的清新风景画。

　　>> 北斋的构图别具一格，把视点降低，造成紧张惊险的气氛，传达出自然界的雄壮气势，同时也寄寓着一种抗争精神：人类固然渺小，却有乘风破浪之勇。

　　>> 雨夜杜鹃、日暮白雪、清泉明月，这些意象加上朦胧的色彩、抒情的笔触，呈现出日本风景画中独有的情绪。

　　>> 葛饰北斋自号“画狂人”

　　◆ 第七课□□世界的艺术

　　>> □□先知穆罕默德被拥戴为真主在人间的唯一使者，他口头传诵下来的教诲被编撰成书，这就是《古兰经》。

　　>> □□教艺术完全禁止神圣的偶像，他们反对神的人形化，所以清真寺没有神像雕塑和以神的形象为内容的壁画。

　　>> 清真寺内部陈设简单，四面墙壁中有一面叫作“朝向墙”，墙上有一个中空的壁龛，叫作“米哈拉布”，指□□教圣地麦加的方向。旁边是一个简朴的讲坛，叫作“敏拜尔”，通常是用木头雕刻而成。有青草垫或灯芯草垫铺在地上，给□□提供一个干净的场地用来伫立诵经、鞠躬、跪拜，后来则改用羊毛毯。清真寺有多个相同的入口，由立柱分隔而成，方便信众的集散，也象征着所有□□在真主面前一律平等。

　　>> 水景是□□建筑设计中的特色之一。

　　>> 在每座清真寺的庭院里都有净身喷泉，泉水清凉，滋润着干涸的土地，也洗礼了虔诚的灵魂。按照□□教的传统，□□在进入祈祷厅之前，必须经过沐浴。同时，从建筑美学上看，喷泉既灵动又迷离，为整座清真寺增添了柔媚的韵致。

　　>> 穹顶是半球形的，在底部略微收缩，以便遮住它的支撑点，沿着稳固而流畅的曲线向上，在顶端呈尖锥状，在高远的苍穹下颇有飞升之感，梦幻而神秘。塔尖遥遥指向天空，而□□礼拜时的诵经声就在那里回荡不息。

　　>> 庭院连拱和大厅外墙装饰成蓝色、绿色、金色、粉色、黑色，宁静而不张扬。庭院由石板铺成，花园中的柠檬树、合欢树芳香四溢，而大理石水池中的喷水头在阳光中留下修长的影子，清澈池水波光流动，这一切都为清真寺笼罩了一层缥缈迷离的气氛。

　　>> 特别是建筑师在墙上镶嵌了彩色玻璃窗，并在装饰时使用了反光的棱镜。明暗交织的光线中，仿佛有一座七彩的天堂。

　　>> 繁茂而精细的装饰在本质上的确服从于教义教训，但也让□□艺术家对局部细节产生热爱，并将他们独特的自然人文观念贯穿始终。

　　>> 三大元素构成了□□装饰纹样的丰富变化：几何图形、植物纹样、阿拉伯文字图案。

　　>> □□人很讲究书法，因为文字具有神圣性

　　>> □□人认为，在装饰纹样的设计安排中留白是一种忌讳。所以，每处装饰的整个画面都会被填满各种纹样，几何图形、植物与文字之间又叠加、交叉，形成抽象、对称、连续、无限的□□装饰基调。

　　>> 在建筑中，这种不留白的规范格外明显。凡是与墙壁有间隔的装饰性建筑，像清真寺的讲坛、栏杆、栅栏都刻上了繁复交织的线条，或镂刻成锯齿状的空格。这种规范也延伸到石膏板刻、细木镶嵌木刻、青铜板刻和金银板刻等艺术创作中。受此影响，四处蔓延的纹饰像一张巨大的挂毯笼罩了所有的墙壁，墙上的镶嵌画也同样瑰丽丰富，使抵达窗口的光线分解为一道道彩虹，映射在清真寺神圣的穹顶。交织的图纹越来越复杂，占领了周围的墙壁和天花板，在空中构成一幅梦幻般的风景，神秘的憧憬漫无边界。

　　>> 奢侈品是皇家财富和权力的象征

　　>> 具有强烈视觉效果的装饰图案与人性的复杂遥相呼应。狂迷、疑惑、泰然、苦恼，均以线条的倾斜、垂直、起伏、回转和平行加以表达。从激昂到消沉，从幻想到理性，从方块到圆形，从恣意的曲线到严密的几何形象，图案变化过渡自然，在无限延展的空间里谨慎描绘灵魂的细节。

　　>> 在□□艺术中表现动物是极为罕见的，但就在庭院中央，12头黑色大理石雕刻的狮子用背部支撑着一个11世纪的大理石承水盘，晶莹的水珠从乳白色的石盘中喷涌而出。水池里有四道水沟，象征着四条天堂之河，把水从水池引向庭院四面的四个亭子。

　　>> 阿尔罕布拉宫突出考虑了奇特、轻盈、细部的精美，明暗变化、石头与水的结合。垂花饰和涡卷饰比比皆是，组成了一个集合线条的严密网络，其交织盘绕的样子就像一张蜘蛛网。阿尔罕布拉宫展现了□□艺术的别具一格——优雅、强劲的大量装饰带有某种快感的整体美。

　　>> 这种反重力的建筑式样反而令人心生敬畏。

　　>> 淙淙的流水、沙沙的树声、柔和的光线、精妙的花纹，这一切都让人想起阿拉伯传奇故事

　　>> 雕饰都是石膏做成的，工匠把整块的热石膏放在模具中形成需要的花饰，再巧妙地黏和起来，构成各种样式。

　　◆ 第八课在尘世打造天堂

　　>> 基督徒反对皇权，只崇敬救世主

　　>> “巴西利卡”。水平轴线与纵向轴线组成了教堂的主要结构，形态酷似十字架，也被称为“拉丁十字式”。虽然基督教艺术继承了罗马建筑范式，但明显没有罗马帝国纪念功勋的磅礴气势，而是注重内部宗教氛围的营造。

　　>> 拜占庭艺术汇集了希腊、罗马和东方三种文明，又结合了早期基督教艺术与宫廷艺术，成为一个丰产而独特的文化存在。

　　>> 穹顶四周有一圈通光口，当阳光从这里倾泻而下，弥漫在穹顶之下，聚焦了整座教堂的视觉，使人油然产生一种缥缈而圣洁的感觉——那阳光仿佛是来自上帝的感召。

　　>> 这一时期的镶嵌画主色从早期基督教艺术喜爱的蓝色、绿色转向辉煌的金色，昭示着耶稣基督高高在上、不可侵犯的神圣感。

　　>> 画上的人一律被拉长，头显得很小，但突出又黑又大的眼睛。

　　>> 皇帝头上的光环表明了王权的神化色彩

　　>> 拘谨而典雅，朴素而不乏激情，构成了拜占庭艺术的基调。

　　>> 光芒四射的平面镶嵌画为砖石结构的建筑减轻了重量感，而这些拼接镶嵌而成的画面并非以写实为目的。金色的背景、高傲的气质、僵直的动作，处处透露着宗教神学色彩。基督教义与神化王权便是它们镶嵌在那里的所有意义。

　　>> 镶嵌画之所以有绚烂的色彩，是因为它的制作材料是一些形状不规则、材质不一的“嵌片”，这些材料包括大理石、彩色玻璃，以及经烧制的陶土片等。它们排放在一起，用砂浆固定住。以一张金箔为背景，一些螺钿成分用来表现人物项链发出的光芒。

　　>> 筒状的拱顶、厚实的墙壁、粗大的角柱、窄小的窗户、扭曲的浮雕装饰，是罗马式建筑的主要元素。在大教堂里，罗马帝国气势磅礴的巨大穹顶被分成不同结构的向上的小穹顶，层层堆叠。在建筑的最上方开始发展出向上矗立的尖顶，似乎要表现对天国的追求。

　　>> 左边是圣路加的公牛和圣约翰的苍鹰，右边是圣马可的雄狮和圣马太的天使

　　>> 他们颧骨宽大，胳膊向外伸，衣褶被简化为之字形或燕尾形。两位天使被极度拉长，框住中心。音乐家们近乎痉挛地将头扭向一个方向，严肃规整中透着戏剧张力。

　　>> 先知凝视着即将到来的世界，安静而出神，已无心现实。

　　>> 文艺复兴时期的学者就用“哥特式”指那些狂暴的哥特人所创造的“野蛮而可怕”的艺术。他们指责哥特式艺术粗糙丑陋

　　>> 圣德尼大教堂将交叉穹窿上的屋顶与尖拱的使用联系起来，穹窿落在一些细柱上，赋予建筑一种空前的轻盈感。墙壁的支撑负担也减少了，墙上有很多彩色玻璃窗洞，奇妙的光线毫无阻挡地透过窗子照进教堂，形成瑰丽的视觉空间，就像通往天堂途中的一站。哥特式艺术从此开宗立派。

　　>> 。罗马式厚重、坚实的风格被修长轻快、垂直向上的风格取代。

　　>> 教堂有意创造宏大空间，无论整体或局部都喜欢设计成尖形，无论是尖形拱门还是外部耸立的尖塔都强化了升腾之感，神高高在上。

　　>> 用歌德的话说，那是“一株崇高壮观、浓荫广覆的上帝之树”。

　　>> 哥特式雕塑更加注重写实并趋向保持独立的形态，比如人像与柱身已经明显有所分离，石柱是雕塑的载体，而非以往的雕塑是石柱的装饰。

　　>> 镶嵌彩色玻璃窗画

　　>> 他们在大窗户上先画好轮廓，然后用小块彩色玻璃嵌入，绚丽的蓝、红、紫与单纯的轮廓结合，阳光穿过，炫目而神秘。

　　◆ 第九课人的觉醒

　　>> 漫长的中世纪充满神学权威的震慑，教会借由阐释教义的功能变成世俗权力的机构，贪婪地盘剥着信众的财富。

　　>> 此前的中世纪绘画主要题材多是圣像，金色的背景、固定的象征符号，代代相传，形式早已僵化。

　　>> 艺术家自幼跟随师傅在作坊学徒，学徒期满后会进入相应的行会。雕塑家会加入石匠行会

　　>> 画家要加入药剂师行会，据说这是出于他们要研磨颜料的缘故。黄金制品工匠则加入到丝绸行会，这是因为黄金常被拉成金线编织到丝绸中去。

　　>> 乔托那种平静而庄严的风格在马萨乔笔下转变为一种更写实的表现

　　>> 马萨乔有意识地只用一个特定角度的光源，以此塑造出更具真实性的人物立体感。

　　>> 马萨乔一向我行我素，不拘小节，将所有精力都花在艺术创作中。他很少关心自己，更难关注他人，这是一个不为俗务烦扰的人。

　　>> “马萨乔”的意思就是“愚笨的托马索”。

　　>> 雕刻家们不断探索创新，而多纳泰罗是走在最前面的人。

　　>> 《抹大拉的玛丽亚》彩绘木雕：玛丽亚蓬头垢面，面色憔悴，正在堕落与罪恶中忏悔。多纳泰罗并没有美化这个罪孽深重的女子，反而将她陷入苦痛中的邋遢、悲怆的形貌展现在人们面前，让人看了心生悲悯。

　　>> 人物终于回到了古希腊和古罗马时期充满个性、自信的生动形象，颇具古典风范，不像中世纪教堂门前的雕像，只是一些附属性的装饰石柱。

　　>> 可是你不知道，我只需几秒钟就能把这件作品毁于一旦。

　　>> 你更适合为扁豆讨价还价，而不是艺术品。

　　◆ 第十课大师的华彩

　　>> 维纳斯虽然是古希腊和古罗马神话中爱与美的象征，但在中世纪，人们把她视为厄运的代表，说她充满罪孽的诱惑和堕落。

　　>> 他不考虑透视法或解剖学等科学知识，却用诗化的笔触、典雅的风格同样征服了收藏家和公众的眼睛。

　　>> 维纳斯身材修长、肌肤白皙、体态丰满，散着一头蓬松浓密的长发，有些羞涩，又有些迷茫，光滑柔润的肢体透着赏心悦目的端庄。

　　>> 一切都笼罩着如诗似梦的春的气息。

　　>> 维纳斯的形象体现了当时盛行的新柏拉图主义，它将古典观念与基督教思想结合起来，既追求肉身的自觉，肯定世俗的繁华与感官享乐，也保有基督教的性灵生活，追求精神的升华。

　　>> 福罗拉赤脚走在花园里，周身被鲜花萦绕：发间是紫罗兰、矢车菊和野草莓枝条，颈上是桃金娘花环，衣裙里兜着一捧野玫瑰，从怀中播撒的是勿忘我、风信子、鸢尾花和福寿草

　　>> 最左侧是信使墨丘利，身材矫健、面容俊美，正用一根缠有蛇的魔杖抵挡云层，以保证维纳斯的花园春意永驻。

　　>> 人物风姿绰约，色泽纯洁明丽，线条流畅柔婉，而维纳斯始终是他心中理想美的化身。

　　>> 若不是兴趣广泛，性情浮躁，达·芬奇本应在科学研究上大有造诣。他拥有诸多雄伟的计划，却无法一一实践。即便如此，他还是成为了画家、雕塑家、建筑家、作家、数学家、医学家……总之，他学识广博、言辞善辩，拥有着非凡的智慧与才华。

　　>> 《岩间圣母》。画面中，圣母、幼年基督、幼年约翰和天使从幽暗的巨岩下浮现出来，光线经过微妙处理，营造出一种空气感。

　　>> 光线对人物形象既遮蔽又凸显，塑造出真实的立体感。迷蒙的空气中流淌出金色的阳光

　　>> 马太错愕地站了起来；小雅各伸出手指；安德烈震惊地举起手来；犹大则心生恐惧，不由自主地向后退，右手还紧紧攥着因出卖基督而获得的一袋银币；彼得左手放在约翰肩上，右手握着餐刀；约翰靠着彼得晕倒了；多马竖起一根手指，似乎表示疑问；大雅各紧锁眉头，撑开双臂时碰到了杯子；腓力双手放在胸前，好像在表示绝不是自己；马可将手伸向基督，与人议论；犹得倾耳听西门说话；西门则摊开双手，表示不解，似乎在说：“这究竟是怎么回事？”
　　而基督微微侧头，坦然、平静地凝视着门徒的反应，安详而悲悯。

　　>> 达·芬奇传世的画作不过十几张，却创造了迷梦一般的人物形象，人物仿佛超越了性别、年龄，贵贱美丑也不再是衡量他们的标准，他们超越现实，获得了永恒的生命存在。

　　>> 他雕刻的是与巨人歌利亚决斗前的大卫：左臂上举，抓住抛石头用的带子；右手自然垂在体侧，微微侧头，似乎机警地注视着远处。他本身就像一张拉满的弓——结实的躯体、强健的四肢、巨大的手脚，每一根突出的血管，每一块绷紧的肌肉都在强调他一触即发的备战状态。

　　>> 他谢绝了别人对创作过程的参观

　　>> 大卫的机警与紧张中透着一种无畏的气概，是蓄满力量的英雄主义，这无疑成为佛罗伦萨的象征

　　>> 艺术家在作品中灌注的复杂难平的冲击力，与他桀骜不驯的独立态度有关。创作天顶画时，米开朗琪罗打发了所有助手，画了300多张草图，一个人每天在高高的架子上画画。

　　>> 米开朗琪罗笔下的人体美不仅仅在于造型，更是精神气质与哲学内涵的载体。

　　>> 上帝蓄着灰白的胡须，神情威严，腾跃在空中，伸出手指要将力量传给年少的亚当，亚当正以仰慕与顺从的姿态望着他。他们之间的交流让人想起奥林匹斯山上的神明与古希腊英雄。

　　>> 《最后的审判》。
　　这幅画没有边框，也不顾任何时间和逻辑的顺序，散乱地堆积在教堂圣坛后的整面墙壁上。画面上的人物比真人还大，他们争先恐后，带着殉难或行善的标记，紧紧拥挤在有史以来最大的基督像周围

　　>> 充满力量的基督无疑是作品的中心，他举起右手，威严震慑着那些极力挣扎的人。圣母玛利亚处在基督右侧，在传统意义上，她是宽恕众人的求情者，但画中她只是隐在基督身后，衬托了使徒们的惊恐和无望。

　　>> 处于中央的上帝深不可测，超出了人世的激情和恐惧、善良与邪恶。他自有他的天国之法，不为世人理解。

　　>> 人们看到的不是尘世的乡村和城市、不是阳光普照或黑云压顶的大地，而是人类深重的绝望和虔诚的救赎。

　　>> 米开朗琪罗在孩提时代把石头当玩具，切割、刻画，渐渐熟悉了石头的诸多特质，对那些隐秘的纹路、天然的接口和暗藏的色彩，他都了如指掌。

　　>> 相比于达·芬奇神秘朦胧的形象，拉斐尔的人物往往有一张温柔的脸，流露出纯真的神采，宁静而完美。

　　>> 他没有像米开朗琪罗一样攀上巍峨而冷清的顶峰，但却把文艺复兴艺术表现得最透彻、最经典。

　　>> 《雅典学院》

　　>> 体现了古希腊雅典的哲学人文的繁荣。

　　>> 拱门左右的壁龛里，分别是掌管艺术与智慧的阿波罗与雅典娜。

　　>> 柏拉图一手拿书，一手指向天空，表示他追求真理的执着；亚里士多德则一手拿书，一手指向大地，他认为应该更关心现实中的法律伦理。

　　>> 柏拉图似乎有画家达·芬奇的影子

　　>> 数学家毕达哥拉斯正在认真地书写什么。旁边的沉思者是有着米开朗琪罗面孔的赫拉克利特

　　>> 右侧的欧几里得

　　>> 手持圆规，好像在演示一个定理的推导，几个年轻的学生正围在一起观看。第欧根尼无拘无束地斜躺在台阶上，是整幅画中最潇洒惬意的一位，正符合他贬抑物质追求，主张返璞归真的哲学理念。

　　>> 在画的右侧，欧几里得的身后有两位手持天体模型的学者，一位是波斯先知和天文学家琐罗亚斯德，一位是希腊化时期的地理学家托勒密。

　　>> 古典哲学的核心——均衡与和谐

　　>> 精致的线条和完美的笔触

　　>> 他对形式美有着高度敏感，足以把每一个画面都描绘到难以再做出修改的境界。

　　◆ 第十一课绚料威尼斯

　　>> 威尼斯绘画真正的开路人当属贝里尼。

　　>> 在这座四面环水的城市，湿壁画不易保存，油画因此得到发展。油画变化的光泽、丰富的色彩和多层细腻的肌理效果带给威尼斯画派一种精致的华美。而威尼斯画家对大自然的独特兴趣，也使一些宗教或神话题材的作品中增添了风景的描绘。

　　>> 佛罗伦萨艺术家注重形体，威尼斯艺术家注重色彩；前者偏爱表现理性与哲学内涵，而后者则热爱生活，拥抱自然的诗意与俗世的欢愉。

　　>> 乔尔乔内则认为，观众欣赏绘画时不需要走动就能看清画家表现的所有内涵，但欣赏雕塑要变换位置和视角才行。

　　>> 提香出生在蒂罗尔的阿尔卑斯山区，那里遍布湖泊，山毛榉郁郁葱葱，玫瑰色的城堡就矗立在绵连的山冈上。

　　>> 提香的《乌尔比诺的维纳斯》是欧洲绘画史上第一件将女神请进卧室的绘画。

　　>> 色彩不仅用来表现形象，也参与了微妙的构图。

　　>> 鲁本斯、伦勃朗、戈雅、德拉克罗瓦、雷诺阿……他们都是提香艺术遗产的受惠者。

　　>> 委罗内塞回避了一切指涉神秘的图像，也抛弃了精神和心理的深度挖掘，把最后的晚餐演绎为威尼斯富商贵族间一场豪华、奢侈、逸乐的宴会。

　　>> 画家专注于绚丽的色彩，在细节处用淡蓝、海绿、柠檬黄、玫瑰红和紫罗兰等来配合色彩艳丽的布景和欢闹的人群

　　>> 丁托列托没有受到提香太多的影响

　　>> 他的个性正好与提香相反，性格善变、信仰火热、超脱世俗，是繁华的威尼斯中罕有的率真、疯狂，又充满悲怆感的画家。

　　>> 《基督受难图》以充满启示性的情感征服了人们。在巨大的画布上，人们在光芒中倾斜扭曲，冲突的对角线在基督身上交叉相遇，混乱之中显得孑然独立。

　　>> 从阴暗晦涩的画布中，人们看到的是他不可抑制的创作热情，正剧烈地从灵魂的深渊里喷涌。

　　>> 画家凸显的是耶稣正在以面包和葡萄酒的形式，向门徒们分发他的身体与血液。油灯散发出的烟雾奇迹般地转化为成群的天使形象，模糊了自然与超自然的界限，场景的协调就这样平衡了构图的异常。

　　>> 丁托列托的绘画中，永远都有支离破碎、分崩离析、又不乏战斗力的形象，它来自内在的悲剧，却通过极强的生命力感染着每一位观看者。

　　>> 样式主义，正是当时流行的一种风格，代表人物有西班牙的格雷科和罗马的卡拉瓦乔。该派别画家努力地展现技巧，看上去十分矫饰，偏爱不均衡的构图和极端复杂的场景；空间混乱，不服从惯例，对传统题材进行扭曲性的表现。

　　◆ 第十二课北方的气质

　　>> 扬·凡·艾克是佛兰德斯文艺复兴最初的代表人物

　　>> 专注于对世俗风情与日常生活的描摹

　　>> 博斯用不可思议的怪异形象来表现人类的脆弱和缺失。他以悲悯之情看人性的变态与堕落、欺诈与残酷、荒谬与贪婪

　　>> 一切都笼罩着怪诞色彩，而远方燃起了熊熊大火，整个世界都疯狂了，各路鬼魅粉墨登场，病态而张扬，遮住了天堂。

　　>> 典型的博斯式地狱。奇怪的生物在吞噬着人类，有人被刺穿倒挂在乐器上；有人被钉在桌子上；一个蜘蛛精抱住了一个女孩，任她被一只蟾蜍咬着。黑暗的海洋包围了这个扭曲的空间，令人恶心又恐惧。人类成了被虐待和捉弄的对象，承受着因一度堕落而遭受的惩罚。这种悲惨命运的展示有着末日审判般的含义。

　　>> 博斯窥探着人类的卑贱与荒谬，前卫地揭发了隐藏在伦理道德下人性异变的种种梦魇。

　　>> 博斯学识广博，喜欢各种怪诞学问，比如神秘学、中世纪流传下来的炼金术、占卜，以及各种巫术，还有生物学。

　　>> 纯洁、率真，经得起推敲、富有人道精神的形象

　　>> 起初，布勒哲尔热衷于讽刺性、具有道德训诫意义的作品，画中透露着不安的怪诞之感

　　>> 故乡大地的深沉与亲切

　　>> 一个伏在屋顶的人对着空中的馅饼射箭，却什么也没有射到，这是讽刺短视的傻瓜。他身后一个身陷牢笼、示众的人在演奏小提琴，仿佛把惩罚置之度外了。画面左下方，一个人握着匕首在撞墙，却只穿了一只鞋子，这是在讽刺不自量力的愚人。有人假扮耶稣，却被人识破正要扯他的胡子；有人看着别人剪羊毛，就开始为自己的猪剪毛；一些人长着兽头，却一本正经地坐在桌子前；有人紧紧抱着柱子，妄想将罪恶藏匿在柱子上的帽子里……据说，布勒哲尔在这幅画里暗藏了100多个谚语

　　>> 人麻木迟钝，盲人们一个牵着一个，眼眶深陷，面目空洞，表现着无奈的顺从。即使第一个人已经掉进坑中，第二个人也即将跌倒，后面踉踉跄跄的跟随者依然不加辨别地往前走。在《圣经》中有一段相关的话，耶稣对法利赛人说：“他们是瞎眼领路；若使盲人领盲人，二者必皆落入坑中。”

　　>> 布勒哲尔拥有率真的志趣

　　>> 都市人会在设备齐全的舒适楼阁里，玩味着画中粗陋的渺小的劳作者，煞有介事地思索着乡村生活的酸甜苦辣，并伴有习惯的优越感和一闪而过的同情。

　　>> 丢勒，1471年出生在德国一个金匠的家里

　　>> 他是第一个跨出国门、拥有国际性艺术声誉的非意大利艺术家

　　>> 严谨的北方画风与崇高唯美的古典精神相遇了

　　>> 天主教认为宗教艺术是与上帝进行沟通的桥梁。而新教恰恰相反，认为教堂里恢宏的雕塑、绘画容易导致偶像崇拜，而且会分散教徒与上帝沟通的注意力。

　　>> 他能敏感地捕捉到人们的心理需求，以此决定作品题材

　　>> 对线条的非凡掌控使丢勒对各种媒介都能驾轻就熟

　　>> 丢勒对现实高度感知的能力和描绘能力都在细节中体现出来

　　>> 流畅的雕刻线勾勒出密集的阴影，使黑白线条具有与彩色绘画一样的丰富表现力。

　　>> 丢勒似乎有一种永不餍足的强烈欲望，想要描绘他观察到的任何东西

　　>> 一种高度敏感的自我意识

　　>> 他相信艺术家的创造天赋在某种程度上属于上帝的创造力

　　>> 以肖像画著称的小荷尔拜因

　　◆ 第十三课壮丽的堆砌——巴洛克艺术

　　>> 在教皇的迫切要求下，艺术不再主张理性和秩序，而倾向于一种更富动感、更加复杂的审美观。

　　>> 与“哥特式”一样，在葡萄牙语中诞生的“巴洛克”一词最初是个贬义词，指“形状不规则的、不完美的珍珠”。

　　>> 戏剧化的风格、宏大的规模、精巧的装饰。

　　>> 作为建筑家、雕塑家和画家的贝尼尼是意大利巴洛克时期最具想象力的艺术家，也是第一位面对米开朗琪罗的作品而毫不退缩的艺术家。

　　>> 两座柱廊形成了一个夸张的拥抱，就像一双展开的手臂在欢迎每一位虔诚的天主教徒。

　　>> 一种雕塑与建筑的巨型复合结构——青铜华盖

　　>> 贝尼尼没有在柱子之间架设屋檐，而是创造性地设计了帷幔，使青铜华盖在威严中多了一分华贵之感。作为守卫的四个巨大天使分立于华盖的四个顶角。四根蜿蜒的曲臂构成了华盖的顶点，将顶部的球体和十字架进一步抬升。

　　>> 白色大理石经过他的凿刻、打磨，可以酷似人体的肌肉、毛发和衣裙褶皱，甚至还能表现出颜色。

　　>> 性格与米开朗琪罗却截然相反。他个性向外，善交际，谈吐风趣，具有贵族气质，不沉沦于哲学思考，不为疑虑所困，是艺术家中的幸运儿。

　　>> “汝之生为罗马，罗马亦为汝生。”

　　>> 剥下万神殿的柱廊上的青铜，以获得足够的原料

　　>> 一位活跃的高层外交家。作为他那个时代最博学的人之一，鲁本斯自幼受到良好的贵族教育，拥有谦恭的举止和圆滑的社交手腕。再加上他的古典学识和语言天赋，以及上流社会专属的奢华爱好，这些使得他在王公贵族里成为最受欢迎的人。

　　>> 他悉心钻研提香、丁托列托和拉斐尔的作品，在同时代画家卡拉瓦乔和卡拉奇的作品也受益良多。

　　>> “巴洛克画家之王”

　　>> 活力与激情只是鲁本斯早期画风的标志，在以后的创作中，这种强烈对比日益减弱，让位于更加柔和的色彩。

　　>> 鲁本斯的笔触引人入胜。他用迅疾的重叠用笔和巧妙的薄涂，形成人物肌体丰富的色调。

　　>> 他的一生，幸福、华丽、明亮、健康。

　　>> 他成功地将光与影融为一体，使画面更接近客观现实

　　>> 动作、脸部、表情，以及心理状态都会影响光影的状态

　　>> 视觉的沉静与平衡。那些人物带有一种哲思性的冥想，一种沉埋内心的回忆。

　　>> 据说伦勃朗对面相术颇有研究

　　>> 对于物质财富的表现倾向消失了，精致的服装成了普通的外套，那张脸在日益浓重的暗影里显示出经历世事后的内敛，暗示着画中人正在平静地注视与沉思。

　　>> 郁郁寡欢的嘴角，爬满皱纹的额头——人生的不幸为他雕刻出一张沧桑、凝重的脸。

　　>> 伦勃朗没有在自画像中使用其他画中的朱红、绛紫。他为自己准备的颜色有限，赭色、土黄、土红，暗淡的光影使画面更有力度。他偏爱狂热的厚涂法，又擅长透明色的罩染。他把透明色施加于白和灰上，造成闪光效果，使他们从深重的色调中凸显出来。他也将透明色在浓重的色彩上表现阴影，给作品带来丰富的亮度和无限深度。

　　>> 善于捕捉人物的灵魂，那得益于他敏锐的心理洞察力和对人类深刻的同情。

　　>> 他的风格正符合浪漫主义所追求的对内在情感的发掘和对清规戒律的抛弃。

　　◆ 第十四课细腻与精巧——洛哥可艺术

　　>> 热衷娱乐的路易十五继位，以及贵族的复兴，促使一种柔媚风格在巴黎迅速发展起来，这就是“洛可可艺术”

　　>> “洛可可”在法语中是“卵石”的意思，并且特指那些用于室内装饰的小石子和小贝壳。

　　>> 洛可可艺术轻盈活泼，充满活力，精致地让人目不暇接，是一种广泛用于贵族和上流社会的文化。

　　>> 所谓游乐画，描绘的主要是在上流社会的户外娱乐或消遣聚会中，那些浪漫绚丽、美轮美奂的场面，那些盛装的男女在花园式的环境中优雅地嬉戏。

　　>> 离开爱神庇护的西苔岛后，爱情会变成什么样呢？由乐转伤，是华托“游乐画”的特点，人们总是先看到画面中的快乐、优雅，甚至风流，接着便感受到轻松之下暗暗流淌着一种忧郁的情感，仿佛时刻提醒着世人，一切感官愉悦都是暂时的。华托的作品也因此富有一种特殊的诗意。

　　>> 华托还试图以一些不同寻常的视角来观察人体的缓慢移动，他想为人物寻求一种最安详、最自然的姿态。

　　>> 朦胧的色彩、流畅的动作、温文尔雅的风度

　　>> 丑角似乎站在一方舞台上，下面四个人似乎在对台上的演员津津乐道，而丑角吉尔又仿佛置身事外，近距离视角使他与周围格格不入，突出了巨大的孤独感。构图简单，但寓意复杂，让人感到一种薄凉中的沉静。

　　>> 他一生居无定所，漂泊不定，常在朋友或赞助人那里暂居，又饱受肺结核的折磨。但他是一位非常独立的画家，从不接受不喜欢的委托

　　>> 很多音乐家都喜爱华托的作品，比如拉威尔、德彪西、肖邦、西贝柳斯等，他们都认为在欣赏华托的绘画时，会不知不觉地进入音乐的气氛。

　　>> 甜蜜与忧伤、香艳与苦涩

　　>> 蓬巴杜夫人。她是洛可可画家最有力的赞助人

　　>> 洛可可风格中的轻佻、优雅和感性。

　　>> 布歇不去追踪光源，他更致力于光在描绘对象上的具体效果，令对象本身的色调也明媚精彩。

　　>> 布歇同时从事装饰。在天花板、屏风、车把手、门、首饰盒和扇子上，布歇都绘制了田园牧歌式的装饰。他为人和善，慷慨大方，又注重享乐，上流社会的男男女女都对他颇为欣赏。不过，他的作品虽渲染了脂粉气的宫廷趣味，却从不滑向庸俗的挑逗。

　　>> 他的学生弗拉戈纳尔

　　>> 公开迎合了赞助人的感官爱好

　　>> 光线暧昧，色彩妖娆，整个画面十分香艳露骨

　　>> 蓊郁的树木和斑驳的阳光，以及坐落于花园深处的凉亭，都借鉴了华托的风格，可画面主题已经与华托的感伤情调相去远矣。

　　>> 洛可可艺术沦为王公贵族的俘虏

　　>> 他觉得学院过于保守和乏味，就放弃了学院风格，开始为上流社会画艳丽而轻浮的欢愉场面，从而大出风头，名利双收。晚年时，他曾极力转向后起的新古典主义风格，但并未得到认可

　　>> 到了大革命时期，宫廷艺术备受鄙夷，弗拉戈纳尔辉煌不再，他回到了老家，最终在贫困中死去。

　　>> 他是木匠的儿子，为人谦逊，一生几乎没有离开过自己生活的几个街区

　　>> 看夏尔丹的画，我们只需要好好使用自然给我们的眼睛就够了，因为他的画就是自然的美。贴近真实，亲切随性

　　>> 酒瓶、刀叉、水果、灶台、碟子等再普通不过的家什。在处处奢靡的巴黎都市，夏尔丹踏踏实实地坐在自家厨房或厅室，用凝重的笔触勾勒寻常巷陌的朴素生活。

　　>> 夏尔丹的静物画格外醇厚，他不刻意掩盖物体的缺憾，也不夸张它的美好，只视人以真实面目，就像作者的自画像一样，真实而有尊严。

　　>> 在世间低微的角落，尘埃震荡、光泽混杂，昏暗也好，生动也罢，真实的生活就在那里。

　　>> 与繁复绚丽的洛可可绘画相比，夏尔丹的作品构图简洁，却饱含柔情。

　　>> “色彩的确需要用，但指导画家创作的是情感。”

　　◆ 第十五课新时代的古典情结

　　>> 在资产阶级的革命浪潮中，一种以古典题材来表达理想、勇气、爱国等精神的艺术诞生了，这便是新古典主义。

　　◆ 第十八课印象主义：捕捉一瞬间

　　>> 印象·日出》体现了印象主义的典型风格——速写特点——概括的、粗糙的线条，变化突然的色调，自发的速成的所见所感。莫奈以色彩来建构整幅作品，以蓝色和绿色烘托黄色和橘色；并从高处取景，略去前景和地平线。画中没有一样事物是清晰明了的实体，连景物的轮廓也消失了

　　>> 现代性是暂时的，难以捕捉的，且偶然的

　　◆ 第二十课挑战传统

　　>> 符号可以是意识与无意识之间的纽带。

　　>> 它使物体消失的动机不是为了美学目的，而美学也成为一种附属，真正重要的永远是在创作行动中所显露的事物。

　　>> 沃霍尔并不寻求高妙的艺术手段，他正是利用整串复制来强化它们的庸俗效果，以此反映现代商业化社会中人们的空虚与迷惘。

　　第四章第一课拥有发现美的眼睛

　　◆版画大体有三种：木刻或麻胶版画的“凸版”类，铜版画等“凹版”类，以及石版画等“平版”类。

　　◆我们很难描述一座建筑艺术的意境内容，它不像绘画与雕塑再现现实，细腻刻画，而通常借助象征、隐喻、模拟等手法塑造形象。

　　第五章形体魅力与线条流韵

　　◆米开朗琪罗认为，一件雕像从山上滚下去，如果只碎掉鼻子才算得上是成功的雕像。

　　◆达·芬奇在谈到绘画的起源时曾说：“当太阳照在墙上，映出一个人影，环绕这个影子的那条线，就是世间的第一幅画。”

　　第六章或明或暗的色彩

　　◆假若没有形体，色彩便无所依附；假若没有色彩，形体便无法显现。

　　◆明媚的暖色使事物看上去更大，收敛的冷色则让事物看起来更小。暗色会诱发忧郁的情绪，鲜丽的粉红则适合渲染喜悦，柔和的色调暗示着宁静和谐，色彩的不协调则会让人倍感烦乱。

　　◆凡·高在完成那幅著名的《夜间咖啡馆》后，写道：“我试着以红色和绿色来表现人类可怕的激情。”

　　第七章第二课石上的幽光

　　◆有些学者认为，原始人的生存技能不高，因而非常崇拜具有惊人生命力的野兽，甚至认为它们身上存在着某种超自然的力量。也有学者认为，这些动物是作为原始人的狩猎对象画上去的，就像古老的巫术一样，猎人们觉得对壁画中的动物扔石块或用石斧捶打就能真的在现实中擒住它们。

　　◆颜料主要是矿物质

　　◆壁画上的红色其实是铁的氧化物；蓝色是锰的氧化物；黄色和橙色是铁的碳酸化合物；黑色是由烧焦的兽骨研磨而成的。作画前，还要在这些颜料中调入动物的油脂和血液，然后用草、苔藓、手指或动物毛皮做的刷子蘸着颜料涂色。他们还懂得喷绘技法，使图像笼罩上一层晕染效果，更加富有体积感，厚重而热烈。

　　第八章她们都叫维纳斯

　　◆拥有生育和哺育能力的母亲便成为部落延续的希望。母系社会正是由此而来

　　◆牛角也是生殖力的体现，被认为是大自然赐予人类孕育、再生力量的象征

　　◆先从另一个山洞中取来足够的黏土，在一块石头上塑造成野牛的侧身像；然后用铲子之类的工具把雕塑表面抹平；再做出野牛的眼睛、鼻子、嘴和鬃毛，最后让它慢慢晾干。几天后，这个作品就彻底完成了，风干时留下的裂纹代表着牛毛

　　第九章大地上的巨石

　　◆他们会将两块石头直立在地面上，再在上面横置一块顶石，这大概是柱梁结构的开端。这样简单笨重的石头阵不是用来居住的，而是安置死者的墓室，叫作石台墓。

　　◆三石塔并非随意搭建，每一块顶石上都凿有石洞，能将直立的两块岩石严丝合缝地套住，恰如木工结构中的榫卯，坚实稳固。直立的石块中间鼓起，向上则变细，给人一种视觉上的负重感，而且这让厚重的岩石多了一份生动和活力。

　　第一十章第三课人类的童年梦想

　　◆对于素来信奉图像威力的古人来说，只要把国王辉煌的战绩刻在不朽的石碑上，就能让他们的城邦永远立于不败之地。

　　◆亚述人比其他民族更喜欢穷兵黩武，浮雕作品上也体现着浓厚的军事色彩。

　　◆乌尔王陵出土的一架竖琴被修复后重现了它当年的精美，这件乐器的音箱上装饰着一只华丽的牛头，木料上贴有金箔、牛毛、胡须等，其他部位镶嵌着青金石。音箱侧面有四幅装饰画，画着拟人化的怪物和野兽：佩带匕首的狗，拿餐具的狮子，弹琴的驴，跳舞的熊……这些动物好像在模拟一场盛大的宴会，也许含有葬礼的意味。音箱上的图画是人类艺术中最早的动物拟人化，比古希腊的伊索寓言早了2000多年。

　　◆ 。《圣经》中记载，人类傲慢无礼，妄图建造一座通天之塔，上帝听闻后便让工匠们说不同的语言，他们相互间无法交流，不能分工合作，建塔之事也就不了了之。古希腊历史学家希罗多德曾描述过马杜克塔庙：“人们建造了一座坚固的塔……塔上有一塔，塔上又有一塔。如此往复，共有八座塔矗立在此。一道阶梯沿塔的外部盘旋而上，中间有个棚子，设有长凳以便让登塔的人稍事休息。在最高的那座塔上矗立着巨大的神庙，里面放有一张巨大的长椅，有精美的椅罩、金色的桌子，但没有神像……他们认为神会亲自降临。”

　　第一十一章古埃及：开启永生之门

　　◆强大的王权可以要求成千上万的劳工奴隶年复一年地开采石头，用最原始的方法运到建筑工地，再构建起一个坚不可摧、万代不朽的坟墓。

　　◆雕刻家用坚硬无比的花岗岩来雕刻头像，他们在埃及被视为“使人生存的人”。

　　◆虽然有几分刻板，但时至今日，那些规整的头像还保持着庄严的真实。

　　◆画家擅用全知视角，更在意图画内容的完整性，而不在乎是否美观，一切事物都在他们笔下呈现出清晰全面的样子。

　　◆ “正面侧身律”：头部为正侧面，眼睛为正面，肩为正面，腰部以下为正侧面。

　　◆艺术家在画中表现的不是客观形体，而是事物的意义。

　　◆稳定、质朴、和谐可以说是古埃及千百年来的艺术传统了。没有人需要创新，也没有人想过要挑战常规。

　　◆所有的艺术家都要谙熟这个国度一贯的绘画风格：男人的皮肤涂成褐色，女人的皮肤涂成浅褐色或淡黄色，头发涂成墨蓝色，眼圈是黑色；太阳神必须表现为一只鹰，至少要有一个鹰头，死神则是一头豺狼，或者要有一个豺狼头……

　　◆阿米诺菲斯四世改变了信奉多神的传统，独尊太阳神阿顿。

　　◆在图坦卡门的时代就开始恢复过去的信条

　　◆艺术家再次拾起陵墓中那些刻板、淡漠、肃穆、毫无个性的形象创作。

　　◆古埃及绘画注重严谨，每一个细节都体现着强烈的秩序感

　　◆艺术家首先在墙上画好直线网格，然后小心翼翼地在网格里分布图像细节。

　　第一十二章爱琴文明之谜

　　◆克里特岛缺少金属和大理石，王宫主要由石灰石和石膏建成，辅以木材做窗户、屋顶和圆柱。整座王宫占地两万多平方米，围绕一个矩形中心院落向四周伸展，上下5层楼，共1500多个房间。

　　◆古人认为，这座宫殿的设计师是当时的名匠代达罗斯，后来他的名字就用来指代迷宫或字谜。

　　◆在克里特艺术中，国王并不是不可一世、威严凛然的枭雄形象，而是清丽优雅中透着高贵气质。

　　◆克里特人崇尚自然，在国王画像中并不展示权力，国王身边没有狮子、老鹰，只有一丛丛清新可爱的花草，艳红为底色，给阴暗的厅室带来明亮疏朗的景致。

　　◆克诺索斯宫殿处处都充满着现实生活的乐趣，全无埃及艺术的严肃与神圣。克里特人尤其喜欢流动的曲线美，喜欢把生活涂上清新愉悦的色彩，追求灵动优雅，陶醉在自然与生命的魅力之中。

　　◆警惕的迈锡尼人把城堡建在距大海10英里以外

　　◆还为城堡修筑了高大宽厚的城墙

　　◆称作独眼巨人墙

　　◆城堡的入口处屹立着著名的狮子门

　　第一十三章第四课古希腊艺术：美学之源

　　◆不论人们在做什么想什么、希腊是一片圣地。

　　◆术的世界一片晦暗，粗糙、生硬、原始，与埃及风格相差无几

　　◆古希腊没有像埃及法老一样高高在上的统治者，不会号召全民族为他的私欲服务。

　　◆那个时代，希腊人开始大胆探索万物的本性，科学、哲学、戏剧同时觉醒，人们追求生命的真实。

　　◆神像的原始信仰象征已经退居其次，与人一样，它具有一种与尊严有关的魅力。

　　◆菲狄亚斯最伟大的作品之一——雅典娜女神像，她不再仅仅是雅典城的守护神，她的美比她的神力更震撼人心。

　　◆米龙把掷铁饼的运动员表现为处于蓄势待发的瞬间状态

　　◆古典时代后期，雕塑开始侧重人物的个性表现与内心世界。

　　◆胜利女神展开的双翼与向后飘飞的衣裙构成她刚刚降临船首的动态，而腿和双翼的波浪线组成三角形，突出了一往无前的气势。

　　◆人们举办赛事正是为了比比谁能真正赢得神灵的赐福。

　　第一十四章神庙的艺术属性

　　◆能反映一个古老民族建筑艺术的，莫过于他们的神庙和王陵。

　　◆古希腊三种柱式

　　◆多利安式、爱奥尼亚式、科林斯式

　　◆朴素粗壮的多利安式尚未摆脱古风时期简单清晰的特点，颇有斯巴达人的行事风格——直爽、干练。

　　◆爱奥尼亚

　　◆柱式纤巧精致，有柱基，且柱身修长匀称，柱头呈旋涡状，屋檐上有浮雕装饰。

　　◆在爱奥尼亚风格的基础上，科林斯式增加了浓密的叶饰来美化柱头，它的形状仿若一口倒悬的大钟，覆盖着卷曲的嫩叶，好像这些叶子就是从石柱上萌发出来的，更加生动精致。

　　第一十五章瓶瓶罐罐上的黑与红

　　◆那些彩绘的陶器

　　◆希腊人并不用它们插花，而是盛装葡萄酒或橄榄油

　　◆希腊瓶画主要分为黑绘风格和红绘风格两种

　　◆红绘因笔触细腻而更加生动活泼。

　　◆透视短缩法

　　◆ 5个脚趾画成一排小圆圈

　　◆白底瓶画更接近壁画，几乎仅用于丧葬祭祀。

　　第一十六章第五课古罗马艺术：帝国气度

　　◆由希腊神庙得到启发，伊特鲁里亚的神庙相对低矮却更加粗壮，墙壁有厚实的壁礅，内部通常有三个连贯的厅堂和一个带柱廊的门厅。

　　◆慈爱而强壮的母狼，它形体坚实，颈部的毛发呈卷曲图案，仿佛被瞬间惊动而蓦然转头，竖起耳朵，十分警觉，令人不敢冒进。

　　◆西尔维娅在梦中与战神马尔斯相爱，生下一对孪生兄弟罗慕洛和雷莫。

　　◆母狼慈爱地衔起婴儿，并给他们哺乳。

　　◆但后来，罗慕洛私定城界，杀死了兄弟雷莫，并以自己的名字命名新城为罗马。

　　第一十七章罗马人的公共场所

　　◆罗马人固然在武力上锐不可当，却也难得有着谦虚好学、崇尚文明的品质。

　　◆土石结构可谓是罗马人最突出的成就

　　◆在灰浆内混杂石块，这便是最早的混凝土。

　　◆拱是罗马建筑中最具特色的元素。

　　◆万神庙就是罗马拱形建筑的代表。

　　◆拱顶直径有44米，几乎相当于整个建筑的高度。走入大厅，会发现四面无窗，仰头却见顶部有一处圆形开口，直径约有9米，湛蓝的天空高高在上。随后发现，阳光从圆口倾泻而下，在大厅的地面与墙壁上流动闪烁，大理石柱泛着蓝色、紫色、橘色的纹理，在光线中静默而优雅，没有丝毫沉闷之感，宏伟中饱含和谐。

　　◆多利安式强壮而沉重，爱奥尼亚式优雅柔和，而科林斯式最为轻盈灵动

　　◆凯旋门则是纯粹用来宣传帝王权威的最佳典范。

　　◆古罗马哲学家西塞罗说：“一位建筑师‘应该是一位文人、一位技术熟练的制图者、一位数学家，熟悉科学思想，勤奋学习哲学，通晓音乐，了解医学，对于法律学者的意见有所见识，且熟悉天文学与天体理论。’”我们不知道这些条件是否合乎每一位建筑师，但毫无疑问，建筑设计不仅是艺术敏感性与工程能力的结合，还体现着精神的自由和敢于突破传统的创造力。

　　第一十八章雕塑与权威

　　◆ “奥古斯都”的称号，意为“至圣至尊”

　　◆英雄形象告别裸体，意识到作为帝王的尊严

　　◆ 200年后，马可·奥勒留的骑马像诞生了，后来与奥古斯都雕像一起被视为罗马帝王像的双壁。

　　◆ “人生如此短促，就像流水一般，它的感觉朦胧、它的躯体弱不禁风、它的心灵不能安宁、它的前程难以捉摸、它的荣誉毫无保障。”这是奥勒留写在《沉思录》中的一段话

　　◆追求理想、优美和谐的希腊艺术已经让位于讲求实际、崇尚权威的罗马特色。

　　第一十九章火山堆下的壁画

　　◆仿大理石的墙壁一直在罗马民居中延续着，但到了公元前80年左右，一种新的壁画风格风行起来。它不像第一风格那样追求高贵优雅，而是创造性地打破了房间四壁的界限，用视觉幻想在墙上制造出三维空间的效果。

　　◆罗马画家已经掌握了线性透视技巧

　　◆罗马人的审美品位变化很快

　　◆艺术家开始回归于平坦的墙面，着重描绘精致的线条与图案。

　　◆将整个墙壁涂成黑色，不能再细的圆柱，缀满珠宝的山墙构成整个壁画的精致框架，在黑色墙壁的正中，缩着一块小小的风景画，在深厚背景的映衬下，仿佛在半空飘浮，模糊而不真实，与第二种风格的明丽形成强烈的反差。

　　◆在《采花的少女》中，少女背向观者，脸微微侧向一边，素手拈花。从背景到人物衣饰，到鲜花的色彩都趋向淡泊素净，看不出喜悦，倒有几分肃穆和迷茫。

　　第二十章第六课东方的传统

　　◆佛，即佛陀，意为“大彻大悟的人”。

　　◆婆罗门教没有修建寺庙的传统，也不需要塑造偶像。孔雀王朝时期的阿育王，是第一位致力于推广佛教的君王。

　　◆桑奇大舍利塔是佛祖的体现，极具宗教象征意味，同时又涵盖了复杂玄妙的奥义。半球形的坟冢象征着圆顶苍穹；顶部平台上立着一根长杆，象征世界之轴；长杆上有三层伞顶，代表“佛门三宝”——佛、法、僧。

　　◆佛陀主张过沉思默想的禅修生活

　　◆在早期佛教艺术中，佛陀本身只有象征性的表示——饰有花瓣的宝座上的□□。□□含义丰富，与太阳有关，象征着诞生、成熟、死亡与轮回，如阳光普照万物，泽被生灵。在佛教分化出小乘与大乘两派之后，人格化的佛陀形象才第一次出现。在贵霜王朝发行的金币上，佛陀头顶肉髻，长而垂肩，右手上举做安慰或赐福状，身着僧袍，头后有神圣的光晕环绕。

　　◆北方安详静穆的犍陀罗风格和南方阳刚写实的马图拉风格。

　　◆笈多王朝的阿旃陀石窟的壁画

　　◆画中的菩萨手持蓝莲花，头戴璎珞，双眉如弓，凝神注视，面容柔和，若有沉思。在他周围，有恩爱的贵族夫妻、有树林中的各种动物，内容充实，但没有拥挤杂乱之感，整幅画仿佛笼罩在圆满祥和的氛围之中。

　　◆搏斗、祈祷、欢庆、亲昵，画面时而残酷、时而温柔，一切形象呼之欲出，似乎整块岩石是为这幅画量身定制而来，堪称天作。

　　第二十一章华夏之魂

　　◆温良恭俭让的处世原则在中国代代传承，自上而下讲求行为中正，合乎礼仪，由此带动了中国古代艺术走向一种端正优雅的和谐。

　　◆儒家思想关注社会人伦的外向功用，道家则注重个人精神的内在修养，两者不但没有对立排斥，反而能够兼收并蓄，共同构成中国文化的一种平衡体系。

　　◆那些轻巧的木梁在古代建筑师手下精妙得有如造化之物：屋顶倾斜，房檐翘出，木材横平竖直，相互嵌合。屋檐极宽，足以为墙面遮阳挡雨。梁柱结合处有精心雕饰的斗拱，既作为强化，也提升视觉美观效果。

　　◆禅宗主张修习禅定，简化繁琐仪式，以求灵光乍现的顿悟，与道家的思想观念非常接近。

　　◆与色彩艳丽、只擅长装饰的画工相比，文人偏爱墨色，规避浓墨重彩，将作画技巧与人文传统融合一处。他们擅长书法，掌握了生动有力的线条，字与字的结构力量，以及对整页的布局考量，作画技巧便从中而来。在纸墨之间，画家自如挥洒，没有硬性约束，也没有边框界限。山水画不连篇累牍地描绘风景实况，也不青睐因袭不变的景观模式，时而淡墨渲染、时而笔触凝重、时而模糊隐晦、时而微妙细腻。在画家笔下，山水自然呈现，传递着宇宙的真谛，达到天人合一的和谐境界。

　　◆儒者文雅、道家平和、僧人圆融，中国传统文化就在三者的融汇中趋向和谐，形成了与西方文明截然不同的东方精神。

　　第二十二章日本印象：自然与浮世

　　◆在狭长伸展的岛国版图上，不同气候连续变幻，日本人对自然敏锐而丰富的感知似乎与生俱来，一旦得到启发和挖掘，他们浓厚的艺术气质便一发不可收了。

　　◆伴着无声的禅意，他们把佛像精心描绘于瓷器或宫墙上。青灯黄卷把世俗的幸福与痛苦一并隔离开来。在寺院绘画中，画面背景常为黑红两色，佛陀面容庄重，在孤寂与静默中散射出精神的光环。

　　◆沉睡心底的民族力量听到召唤，日本雕塑忽而展现出本土的武士道精神，粗暴而简练、单纯而紧张。

　　◆到17世纪，

　　◆寺院开始出现彩绘的高僧木像，庄严而不失协调，稳定中蕴含着深厚的力度。

　　◆ 《鸟兽人物戏画》以灵活的线条和单纯的素描手法将动物拟人化，传达出幽默讽刺的意味，被认为是日本漫画的起源。

　　◆鸟羽绘成为江户时代初期的典型画风，并成功开启了后来的浮世绘。

　　◆ “浮世”意指繁华靡丽而又虚无缥缈的尘世。

　　◆德川幕府时期，江户建立了游乐中心。

　　◆喜多川歌麻吕也以美人画闻名，他开创了“大首绘”，以半身胸像特写女性脸部，善于表现女性心理活动

　　◆柔畅的线条勾勒出女性文雅的体态，颇具古典气质，富有宁静而微妙的美感。

　　◆以葛饰北斋和安藤广重为代表的清新风景画。

　　◆北斋的构图别具一格，把视点降低，造成紧张惊险的气氛，传达出自然界的雄壮气势，同时也寄寓着一种抗争精神：人类固然渺小，却有乘风破浪之勇。

　　◆雨夜杜鹃、日暮白雪、清泉明月，这些意象加上朦胧的色彩、抒情的笔触，呈现出日本风景画中独有的情绪。

　　◆葛饰北斋自号“画狂人”

　　第二十三章第七课□□世界的艺术

　　◆□□先知穆罕默德被拥戴为真主在人间的唯一使者，他口头传诵下来的教诲被编撰成书，这就是《古兰经》。

　　◆□□教艺术完全禁止神圣的偶像，他们反对神的人形化，所以清真寺没有神像雕塑和以神的形象为内容的壁画。

　　◆清真寺内部陈设简单，四面墙壁中有一面叫作“朝向墙”，墙上有一个中空的壁龛，叫作“米哈拉布”，指□□教圣地麦加的方向。旁边是一个简朴的讲坛，叫作“敏拜尔”，通常是用木头雕刻而成。有青草垫或灯芯草垫铺在地上，给□□提供一个干净的场地用来伫立诵经、鞠躬、跪拜，后来则改用羊毛毯。清真寺有多个相同的入口，由立柱分隔而成，方便信众的集散，也象征着所有□□在真主面前一律平等。

　　◆水景是□□建筑设计中的特色之一。

　　◆在每座清真寺的庭院里都有净身喷泉，泉水清凉，滋润着干涸的土地，也洗礼了虔诚的灵魂。按照□□教的传统，□□在进入祈祷厅之前，必须经过沐浴。同时，从建筑美学上看，喷泉既灵动又迷离，为整座清真寺增添了柔媚的韵致。

　　◆穹顶是半球形的，在底部略微收缩，以便遮住它的支撑点，沿着稳固而流畅的曲线向上，在顶端呈尖锥状，在高远的苍穹下颇有飞升之感，梦幻而神秘。塔尖遥遥指向天空，而□□礼拜时的诵经声就在那里回荡不息。

　　◆庭院连拱和大厅外墙装饰成蓝色、绿色、金色、粉色、黑色，宁静而不张扬。庭院由石板铺成，花园中的柠檬树、合欢树芳香四溢，而大理石水池中的喷水头在阳光中留下修长的影子，清澈池水波光流动，这一切都为清真寺笼罩了一层缥缈迷离的气氛。

　　◆特别是建筑师在墙上镶嵌了彩色玻璃窗，并在装饰时使用了反光的棱镜。明暗交织的光线中，仿佛有一座七彩的天堂。

　　第二十四章装饰图案不留白

　　◆繁茂而精细的装饰在本质上的确服从于教义教训，但也让□□艺术家对局部细节产生热爱，并将他们独特的自然人文观念贯穿始终。

　　◆三大元素构成了□□装饰纹样的丰富变化：几何图形、植物纹样、阿拉伯文字图案。

　　◆□□人很讲究书法，因为文字具有神圣性

　　◆□□人认为，在装饰纹样的设计安排中留白是一种忌讳。所以，每处装饰的整个画面都会被填满各种纹样，几何图形、植物与文字之间又叠加、交叉，形成抽象、对称、连续、无限的□□装饰基调。

　　◆在建筑中，这种不留白的规范格外明显。凡是与墙壁有间隔的装饰性建筑，像清真寺的讲坛、栏杆、栅栏都刻上了繁复交织的线条，或镂刻成锯齿状的空格。这种规范也延伸到石膏板刻、细木镶嵌木刻、青铜板刻和金银板刻等艺术创作中。受此影响，四处蔓延的纹饰像一张巨大的挂毯笼罩了所有的墙壁，墙上的镶嵌画也同样瑰丽丰富，使抵达窗口的光线分解为一道道彩虹，映射在清真寺神圣的穹顶。交织的图纹越来越复杂，占领了周围的墙壁和天花板，在空中构成一幅梦幻般的风景，神秘的憧憬漫无边界。

　　◆奢侈品是皇家财富和权力的象征

　　◆具有强烈视觉效果的装饰图案与人性的复杂遥相呼应。狂迷、疑惑、泰然、苦恼，均以线条的倾斜、垂直、起伏、回转和平行加以表达。从激昂到消沉，从幻想到理性，从方块到圆形，从恣意的曲线到严密的几何形象，图案变化过渡自然，在无限延展的空间里谨慎描绘灵魂的细节。

　　第三十四章达·芬奇的神秘与永恒

　　◆若不是兴趣广泛，性情浮躁，达·芬奇本应在科学研究上大有造诣。他拥有诸多雄伟的计划，却无法一一实践。即便如此，他还是成为了画家、雕塑家、建筑家、作家、数学家、医学家……总之，他学识广博、言辞善辩，拥有着非凡的智慧与才华。

　　第三十七章第十一课绚料威尼斯

　　◆在这座四面环水的城市，湿壁画不易保存，油画因此得到发展。油画变化的光泽、丰富的色彩和多层细腻的肌理效果带给威尼斯画派一种精致的华美。而威尼斯画家对大自然的独特兴趣，也使一些宗教或神话题材的作品中增添了风景的描绘。

　　◆他们几乎相互对立：佛罗伦萨艺术家注重形体，威尼斯艺术家注重色彩；前者偏爱表现理性与哲学内涵，而后者则热爱生活，拥抱自然的诗意与俗世的欢愉。

　　第三十八章不懈追求的提香

　　◆色彩不仅用来表现形象，也参与了微妙的构图。

　　第三十九章最后的晚餐别开生面

　　◆他的个性正好与提香相反，性格善变、信仰火热、超脱世俗，是繁华的威尼斯中罕有的率真、疯狂，又充满悲怆感的画家。

　　第五十九章第十八课印象主义：捕捉一瞬间

　　◆印象·日出》体现了印象主义的典型风格——速写特点——概括的、粗糙的线条，变化突然的色调，自发的速成的所见所感。莫奈以色彩来建构整幅作品，以蓝色和绿色烘托黄色和橘色；并从高处取景，略去前景和地平线。画中没有一样事物是清晰明了的实体，连景物的轮廓也消失了

　　◆现代性是暂时的，难以捕捉的，且偶然的

　　第六十七章幻想与潜意识

　　◆符号可以是意识与无意识之间的纽带。

　　第六十八章战后的多元世界

　　◆它使物体消失的动机不是为了美学目的，而美学也成为一种附属，真正重要的永远是在创作行动中所显露的事物。

　　◆沃霍尔并不寻求高妙的艺术手段，他正是利用整串复制来强化它们的庸俗效果，以此反映现代商业化社会中人们的空虚与迷惘。