《千古绝唱 -- 我的巴赫情结》龙飘雪

10、集大成者

　　从上文巴赫的生平中我们可以看到，他在昆腾时期的作品非常丰富。包括《平均律钢琴曲集》的24首前奏曲和赋格、《勃兰登堡协奏曲》、《键盘乐器手册》、《管弦乐组曲》、《小提琴和羽管键琴奏鸣曲》、《低音古提琴和羽管键琴奏鸣曲》、《小提琴奏鸣曲和组曲》和《大提琴组曲》。

　　《小提琴独奏曲》和《大提琴独奏组曲》
　　巴赫的6首小提琴独奏曲和6首大提琴独奏组曲，都是很艰深的作品，若非技巧卓越是不能演奏得好的。技巧问题是相当复杂的，后人曾经想象——这是荒谬的假设——在巴赫那个时代，曾用过一种比较短的弯曲琴弓，用来演奏两根弦的小提琴。《大提琴组曲》也很不容易演奏。可能这些组曲的确是为著名大提琴家写的，比如利尼克或者是低音古提琴家阿贝尔，他也是优秀的大提琴家。17世纪时，弦乐器制造业的迅速发展，加上意大利流派的影响，小提琴和中提琴取代了抒情古提琴和中音古提琴。一个世纪以后，大提琴也完全取代了低音古提琴。

　　1719~1721年，应勃兰登堡侯爵之约，巴赫创作了一套六首题为“为几件乐器而写的协奏曲”曲集，在后来被称为《勃兰登堡协奏曲》。

　　这六首协奏曲全部采用意大利式的快——慢——快三乐章的结构布局，略有不同的是第一协奏曲在第三乐章之后接上了一首小步舞曲乐章。而第三协奏曲则反之，将中间的慢乐章省略了，代之以两个柔板和弦过度，引入另一个快乐章。这两首协奏曲虽有不同变化，但仍保留着三乐章的构架。该作品采用当时欧洲盛行的“大协奏曲”体裁，即由一组独奏乐器和另一组伴奏的乐队相互竞奏，形成互动的音乐交流。通常独奏组的乐器是由两支小提琴加羽管键琴组成，乐队部分则是弦乐家族加通奏低音（羽管键琴）。六首协奏曲的风格迥异，不仅乐器组合彼此不同，而且协奏方式也各异。第一、三、六首中没有独奏乐器组显现，协奏关系表现在乐队分与合的布局之中，接近室内交响乐的风格。第二首是长笛、双簧管、小提琴和高音小号的四重协奏曲，高音小号和第一协奏曲中高音小提琴的音色，在现代的乐队中是很难听到的。第四首是小提琴和两支长笛的三重协奏曲。第五首是羽管键琴、小提琴和长笛的三重协奏曲。值得注意的是，该首协奏曲在第一乐章结束前的那一大段的羽管键琴独奏。第一乐章都是以活泼明快的气氛开始，整个乐章只建立在一个单一的主题之上。。第二乐章都是抒情的慢板乐章。传统的热情又回到第三乐章，第二、四、五首以赋格体结束赋格曲就象延绵起伏的山脉、海浪一样,错落有致,乐队中每个声部的个性都能被听到。第一、三、六首采用民间舞曲体裁,热烈欢快的民间舞蹈正适合套曲的结束。

　　《平均律钢琴曲集》

　　巴赫有极多的钢琴复调作品，对于他的复调作品，有评论家是这样评论的：“没有研究过巴赫，就不能理解欧洲音乐；没有深入的研究过巴赫的复调作品，一个严谨的作曲家、钢琴家就不可能精通他的专业。”“谁要是不研究巴赫，那么对他的音乐中蕴藏着的那种是以表达我们最深思想和情感的巨大可能性，是不可能理解透彻的。”

　　《平均律钢琴曲集》是第一次用作品实际地证明了二十四调。十二平均律，就是将一个音级分成12个相等半音的调律，每半音间的频率差2开12次方HZ，当初主要是以教育目的所写。

　　巴赫把自己的建键盘乐器调成十二平均律，并写了《平均律钢琴曲集》第一册（1722年），存于巴赫的原稿中，包含大小二十调为序的《二十四首前奏曲和赋格》；第二册于1740至1744年间完成，分散在一些手稿里，其中《g小调前奏曲与赋格》是巴赫最富有诗意的作品之一。

　　巴赫创作《平均律钢琴曲集》是受了作曲家费歇尔的启发。他为推广平均律尽心尽力，于是十二平均律曲集便这样出现了，分上下两册，其编排方式为：第一组C大调，第二组c小调，再来就依序升C大调，升c小调、D大调、d小调。每个调都有一首前奏曲和一首赋格为一整首，前奏曲赋格各24曲共48首。前奏曲流动快速给人练习曲感觉，其性格与赋格相关但有时相反。前奏曲可分为：一.快速音型式。二.舞曲式。三.对位式。

　　费歇尔在1702年出版了《新风琴音乐的阿莉阿德尼》，包含二十首前奏曲和赋格曲，分属二十个不同的调。这部作品的标题起源于希腊神话，阿莉阿德尼是古典神话中克里特岛国王米诺斯的女儿，她的母亲帕西法厄生了一个牛头人身的怪物，米诺斯把它幽禁在一座迷宫里，并命令雅典人民每年进贡七对童男童女喂养这个怪物。雅典王子忒修斯发誓要为民除害，他借助阿莉阿德尼给他的线球和魔刀，杀死这个怪物后沿着线顺来路走出了迷宫。“新风琴音乐的阿莉阿德尼”，意思就是指示风琴演奏家用五花八门的大小调作迷宫的引路人（西方有句成语“阿莉阿德尼的线”，用来比喻解决问题的方法）。这部作品用了大小二十四调中的十九个调，只有升C和升F大调，降e，降b和升g小调没有用，而e小调用了两次。其中所有的前奏曲和赋格曲都是很短小的乐曲，主题和《平均律钢琴集》中的主题很相似。

　　这是一部划时代的作品，是“全部音乐史上最重要的里程碑之一”，是“钢琴音乐的《旧约全书》”。在此之前，键盘乐器大多按“中庸律”调单，要想演奏不会走调的音阶，只有聊B、F、C、G、D、A等大调和g、d、a等小调，在选调和转调上受到了很大的限制；而采用十二平均律后，可以自由选用大小二十四个调，并自由转调。巴赫吸收前人经验谱成的曲集运用了全部大小二十四调，在音乐史上首开先河。

　　伟大钢琴家李斯特晚年时曾说，“宝藏全在里头，选个早晨弹听巴赫平均律曲集，享受心灵清静的感觉吧！”

　　《键盘乐器手册》
　　由巴赫和他儿子共同完成的，这本很符合初学者需要的教科书。开篇第一页，巴赫就对音符和音键作了一个完整的解释。他主张使用拇指，书中加了一段运指法。接着他又详细解释了演奏装饰音的方法。《键盘乐器手册》最后还包括有《平均律钢琴曲集》的前奏曲、《二声部创意曲》和《三声部器乐曲》！

　　1717年，巴赫写成了他的《管风琴手册》

　　《管风琴手册》就是为教学而写的系列作品中的第一部。“献给上帝以示虔敬，献给众生以教育他们。”巴赫是一个中间人，他自认如此。对巴赫而言，管风琴是乐器之王，是颂赞上帝的最好乐器。管风琴的庞大声势在歌德式大教堂偌大的空间中，传达出一种庄严与极具振撼力的临场感，也非常容易将教堂内的听众带到一种敬偎和崇拜上主的氛围中。

　　在1720至1724年期间，他完成一组卷轶浩繁的作品：《英国组曲》和《法国组曲》。

　　1753年发表了《论羽管键琴标准演奏法》。

　　《赋格的艺术》就像是向音乐研究会提交的“科学报告”。
　　对位作品是精致创作的赋格--对位法最常见的固定形式。有许多书教导知何写严格的赋格技巧，但大多数作曲家很少遵循这些相当狭窄和限制的方法。但是，在一首赋格的进行中，“指路标志”（Signposts）会经常出现。
　　赋格的呈示部（exposition）由各声部将乐曲的主题呈示构成。在第一声部呈现主题，然后在第二声部上以不同的音高重复主题，称为“答句”（answer），此时第一声部配合审句的进行称为“对句”（countersubject），对句部分常常与原来主题形成对比。第二声合演奏主题后进入对句，第三声部重复呈示主题，此时第一声部自由地进行，一直到呈示部完整地呈示。
　　呈示部之后是“插句”（episodes），所用的材料可能是新的，也可能源自主题、答句或对句。插句有规律地、间隔地出现，在各个插句间，赋格主题又重新进入，但此时不需要将主题在每一声部上进行一次。其他一些不同的手法可能会用来使音乐的进行多样化。“叠奏”（stretto）这个名词是指赋格主题的压缩和互相重叠；“增值”（augmentantion）是指赋格主题放慢一倍，因此在别的声部快速进行时，增值的声部出现较长的音符；“减值”（dminution）恰与增值相反，赋格主题的进行加快一倍。

　　赋格的原理比较简单：一种旋律的主题，或者叫做主题，先用一个声部展现，然后由其他声部继续“模仿”。赋格在德文是“追赶”之意，一个主题单独呈示后在高或低五度重现，作曲者运用各种方式将主题发展，如倒影、增值减值。未等主题完毕另一声部就出现追赶，其长度不一定，可能很小也可能很长，之后另一声部又再重现，一次又一次看作曲者要写几声部，越多声部越困难，最后可加可不加一个尾奏或小尾奏结束。赋格根据主题数量可分为：单主题赋格、双主题赋格或多主题赋格等。

　　《赋格的艺术》犹如一篇音乐宣言，以沉默结束。这种近乎尽善尽美的境地，使《赋格的艺术》几乎达到一种一般人或音乐根基不深的人难以听懂的地步——只有接近于另一种尽善尽美、接近于死亡那样完美的人，才能听得懂。在《赋格的艺术》手稿上，并没有注明用什么乐器演奏。

　　巴洛克时期最大的成就是复音音乐，作曲家以赋格形式作曲就如同唐宋文人以诗词格式创作一般，巴赫赋格的艺术技巧困难几乎没人敢演奏，只能当艺术品欣赏，赞叹其天才。

　　俄罗斯文论家巴赫金的，关于在小说中运用复调手法的观点，一直以来，受到欧美文学家的重视。在巴赫金的观念中，小说主人公与作者的关系，就是一种复调和对位的关系。也就是说，作者创造的人物，原于他独立的对于作者的存在；从而导致作者无法站在居高临下的位置，对他营造的主人公说三道四；而是不得不采取和他的主人公平等对话的地位。